“抽象”（ABSTRACTION）作为一种艺术形式和艺术概念，最早开始于20世纪初的欧洲和俄罗斯，现今已经波及到世界各地，成为了主要的艺术创作形式之一。

“抽象艺术”是现当代艺术里面的一个分支。严格意义上讲，它是指艺术家不再以客观世界的物体为参考，而是纯粹用色彩和形状组成非具象图案的艺术创作。这种艺术形式也被定义为“非客观”（ NON-OBJECTIVE）或“非具象” （NON-FIGURATIVE）。它的诞生有着深厚的社会和艺术史背景。要理解抽象艺术，就必须了解艺术发展的来龙去脉。

在西方古典艺术中，绘画的宗旨就是“形象再现”（REPRESENTATION）。画家运用线条创造透视法，运用色彩的明暗过度创造立体感，从而在二维平面的画布上忠实地再现一个三维立体的世界，力求让观众产生一种误以为看到“真实世界”的错觉（TROMPE L’OEIL）。

达芬奇 《蒙娜丽萨》1503-17年

这一信念变成创作的法则，统治了欧洲绘画几百年。从19世纪开始，传统逐渐被打破。一方面，照相机的发明取代了绘画的记录功能；另一方面，艺术家们也不满足于墨守成规地复制前人的成就，他们需要探索新的艺术领域。在更深层次上，科技和社会的进步改变的人们的生活方式和思想观念，由此需要一种新的艺术语言来与此呼应。

昭示着现代艺术开端的“印象派”（IMPRESSIONNISM），抛弃了“明暗过度”(CHIAROSCURO)法则；以毕加索为代表的“立体派”(CUBISM)绘画和以马蒂斯为代表的“野兽派”(FAUVISM)绘画，摈除了透视法。他们并没有“照相机式”地去“记录”世界中的事和物，打破了艺术家必须“忠实”摹仿自然的束缚，而是加入自己的情感、想法和观念，对描绘的事物大胆地进行改造。但是“印象派”、“立体派”或“野兽派”，他们都并没有彻底废除“形象再现”这一宗旨，而是仅仅在“再现”过程中对“形象”加以改造。

莫奈 《日出》1872年

毕加索 《小提琴》 1911-12年

马蒂斯 《红房子》 1911年

不论是抽象还是具象绘画，其本质不外乎于在一个平面上运用不同的形状（或线条）和色彩来创造某种视觉效果。法国画家、作家丹尼·莫里斯（DENIS MAURICE）对“绘画”曾经有过一个著名的定义：“要记住一幅画，在表现一匹战马，一位女人像或是其他故事之前，它本质上先是在一个覆盖了由一定的规律组织在一起的颜料的平面。”

正如艺术理论家贡布里希（GOMBRICH）问到的：“假设艺术不重于摹仿自然，而重于通过色彩和线条的选择去表现艺术家情感和思想，那么，抛开一切题材，仅仅依靠色调和形状的效果，是否能让艺术更加纯粹呢？”

20世纪初，荷兰画家蒙特里安（MONDRIAN），前苏联画家马勒维奇（MALEVICH）和俄裔德国画家康定斯基（KANDINSKY）分别各自创作了自己第一幅抽象画。康定斯基强调心理效果，探求用有形的绘画表达无形的音乐律动；蒙德里安遵循数学法则的严谨，试图用绘画最纯粹的要素 – 线条和色块 – 来揭示不断变化的外形背后永恒不变的规律；马勒维奇追求思想上的纯粹，力求用极简的形象来概括超越一切具象的真理。

蒙德里安 《红、黄、蓝》 1921年

马勒维奇 《至上主义》1921年

康定斯基 《第五乐章》1911年

抽象艺术由此诞生。它把绘画从描摹自然中解脱出来。它打开了一个新的艺术空间，在这个空间里，艺术家不再束缚于对事物的摹仿，而是有了更多的自由去探讨形与色的变化，去表达自己的观念，情感和思想。或是追求纯粹的抽象，或是游离于具象与抽象之间，这些艺术家选择的自由都是抽象艺术革命带来的成果。

此次参展的四位艺术家，已经在抽象绘画领域取得稳定且引人注目的艺术成就。他们的创作，或自由大胆，或严谨缜密，都表达了对各自艺术信念热情的、执著的追求。值得提醒的是，在艺术家们拥有更多创作自由的同时，也面临更多的难度。失去了具象事物的完全参考，艺术家在创作画面微妙的形色之间的平衡时需要大量的思考和经验。他们需要实验无数种可能性，而这种可能性是无止境的，永远也没有一个终结。而且，艺术创作并非是随心所欲，它依赖艺术家们某些特定观念，遵循由此而生的规律。他们的作品正是这些观念的表达。

   

        杭州作为中国美术创作的中坚力量，曾经在20年代和80年代引领了国内艺术的新潮流。此次四位欧美艺术家以及他们作品的到来，是对以现今以传统国画为主流的杭州的艺术氛围一次强有力的鼓舞。艺术的可贵在于源源不断地创新，而创新依靠孜孜不倦地汲取与交流。特别是在全球化背景下的今天，交流显得尤为重要。由此，我们更觉得，作为中国美术重镇的杭州，需要更多与国际间前沿艺术的对话。只有这样，杭州才会不仅仅在国内，甚至国际的艺术舞台上，持久地保持先锋的位置。